Una nueva mirada al cuerpo y a los espacios urbanos.
Incluso antes del espectáculo competitivo en el 29º Cine Ceará – Festival de Cine Iberoamericano presenta sus primeros cortometrajes, el espectáculo Olhar do Ceará mostró una serie de cortometrajes de alto nivel en el Centro Cultural Dragão do Mar, resultado de una curaduría Cohesivo y atento al lenguaje de la juventud local, especialmente en los espacios urbanos.
A continuación se presentan breves comentarios sobre las películas vistas:
Willian quería
Una de las películas más interesantes hasta la fecha ha sido Donde la ciudad es comida, Saudade es hambre, por Willian Silveira. El director concibe una representación de la ausencia de la búsqueda de Willian, a través de una voz. Apagado, mientras que las imágenes presentan objetos y escenas aparentemente desconectadas en toda la ciudad.
El tono conmovedor y muy bien dirigido de las narraciones, junto con la textura VHS de la imagen, le dan un carácter afectivo al proyecto. El director sorprende por la rica agencia de imágenes, tanto en ritmo como en las soluciones encontradas para retratar, por ejemplo, la pérdida de un abuelo sin ningún miembro de la familia presente en las imágenes. Un proyecto conciso y muy bien desarrollado dentro de su propuesta estética y narrativa.
¿Este pez es tuyo?
Oceano, dirigida por Amanda Pontes y Michelline Helena, sigue un día en la vida de Lúcia (Samya de Lavor, siempre excelente en la escena). Mezclando las reglas de road movie Con los hilos de la inmovilidad, el guión presenta una serie de eventos imprevistos que no solo posponen la llegada, sino que también obligan a Lucia a conocer gente nueva e incluso animales: vea la gran metáfora cómica del pez que se ve obligada a llevar a todas partes.
El cortometraje está muy bien editado, mostrando cuidado en la dirección de fotografía y dirección de arte. Escenas como la trayectoria de Lúcia en un mototaxi, con una delicada banda sonora a medida que se pone el sol, revelan la mirada segura de los directores. Se refiere, en cierto modo, a las obras de Fernando Eimbcke, pero adaptadas a la realidad del noreste.
¡Fuera, mueca gente!
Iracema Mon Amour, dirigida por César Teixeira, sigue a un grupo de amigos durante una fiesta en la playa. Se encuentran, se separan, besan unas bocas y luego otras, sin importar el género. La noche se desarrolla de una manera ligera e intrascendente, como si no hubiera un mañana.
El aspecto más interesante del proyecto es la forma perfectamente coherente encontrada por el director, con una cámara libre, pero clara en su enfoque narrativo, junto con actuaciones muy cómodas y seguras del cuarteto de actores centrales. Es fácil creer en esos jóvenes y la probabilidad de esa noche. Cuando los vecinos juran observando las caricias del grupo en la playa, se repudia todo un sistema patriarcal y de control del cuerpo, allí mismo, fuera del marco.
“Triste y cachonda”
El rebaño sagrado, de Breno Baptista, sigue la línea de jóvenes cineastas homosexuales que ponen sus propios cuerpos en la escena para representar la libertad de la sexualidad y el despojo de los lazos cuando se trata de la representación del sexo. Este tipo de enfoque explícito y confesional siempre camina una línea muy fina entre la humildad y el egocentrismo.
Al menos, el director equilibra la autofoto del cine con un rescate de la Holy Band of Thebes, un ejército de guerreros homosexuales cuya fuerza sería precisamente el amor mutuo, lo que los motivaría a luchar con mayor intensidad. La conversión de la homosexualidad en un símbolo de fuerza y virilidad es ciertamente muy interesante, ya que ayuda a equilibrar el retrato menos ingenioso de la soledad de la joven clase media gay.
querido diario
Originario de Perú, el director Nilo Rivas narra su mudanza a Brasil en Hoy tejo imágenes que me habitan hace mucho tiempo, evocación de recuerdos en primera persona, reuniones universitarias, descubrimiento del amor en Brasil, fiestas con amigos, etc.
El director utiliza las múltiples pantallas, la textura del teléfono celular y las fotos caseras, para proponer un mosaico entre la sinceridad de la confesión y la ficción de sí mismo. Quizás sea un pequeño trabajo de cuestionamiento en términos de lenguaje, pero su habilidad para capturar un ritmo y un estilo ultra contemporáneos para hablar sobre sí mismo habló muy bien con la audiencia, que reaccionó bien a los momentos cómicos y románticos del proyecto. Esta fue posiblemente la propuesta más accesible entre los cortometrajes seleccionados.
Ese novio
Con respecto a los cortometrajes temáticos LGBTQI +, Rebaño, de Victor Costa Lopes, destaca al retratar no el descubrimiento del amor entre dos adolescentes, sino el recuerdo después de que la relación terminó. Equilibrio de imágenes en escena retrospectiva con la narración en Apagado Sobre el período actual, después de la ruptura, la película ofrece una mirada interesante sobre la construcción de la memoria.
Además, está impresionado por el refinamiento de la producción: hay un cuidado evidente en el uso de una profundidad de campo reducida, luces de la ciudad, en el ritmo contemplativo de las escenas. Los actores están muy bien dirigidos en la entrega de diálogos diarios. Un proyecto que no confunde simplicidad con negligencia, dedicando un buen trabajo técnico a encontrar el carácter especial de la banalidad.
Llamame marcia
El documental Diosa olímpica, dirigida por Emília Schramm, Jessika Barbosa, Pedro Luis Viana y Rafael Brasileiro, retrata la trayectoria de la pintora y escultora transexual Márcia Mendonça, especializada en arte sacro.
Los directores optan por varios recursos lingüísticos diferentes, desde entrevistas con miembros de la familia hasta imágenes con fragmentos de las obras de Marcia y extractos de un informe incómodo en el que el entrevistador fetiche al cuerpo trans e irónico de la religiosidad de la mujer. La captura de las entrevistas carece de cuidado para capturar el trabajo de sonido y luz, pero el resultado final es una hermosa evocación de la artista por su trabajo y su historia.
No me llames papa
Mezclando grabaciones en 16 mm y 8 mm, con imágenes experimentales y texturas caseras, La primera foto evoca la dolorosa infancia del director Tiago Pedro, el resultado de una relación secreta entre una empleada doméstica y el jefe de la casa donde trabajaba. El cineasta evoca tristemente esta historia de violencia, que culmina en el momento en que el padre prohíbe que el hijo bastardo lo llame padre en público.
Es interesante que la búsqueda breve de imágenes metafóricas en lugar de retratos más figurativos, lo que permite al espectador proyectar su propia imaginación en la historia. El tono excesivamente lento de la narración, combinado con la duración de treinta minutos, hace que la experiencia sea agotadora, pero efectiva para evocar una imagen fantasma, una representación de la memoria afectiva.
El cine de miedo
Esther Arruda y Pedro Ulee directo La mujer de piel azul, una alusión a una leyenda urbana de la bailarina fantasma, vestida con un collar azul, que habría atormentado a los visitantes del Teatro José de Alencar. El proyecto hace una broma interesante entre el falso documental y el estudio de nuestros miedos, dando voz a los personajes estudiantiles que habrían visto el lugar y a los entrevistados que hablan sobre la naturaleza de los miedos.
Además, el guión vuelve a algo esencial para el origen del cine: la noción de que una habitación oscura en sí, donde se sientan personas anónimas, podría ser algo increíble e inmoral. En términos de construcción de imágenes, el tono de las entrevistas es natural, mientras que los desenfoques y sombras utilizados en la construcción de la bailarina son muy efectivos en la construcción del suspenso.
