El cineasta publicó un texto en el periódico The New York Times sobre el estado del arte y la decadencia del autor.
Después de semanas de debate sobre el futuro del cine y las repercusiones a la izquierda y a la derecha de la controvertida declaración de Martin Scorsese sobre Marvel Cinematic Universe, el cineasta publicó un artículo de opinión en The New York Times que explica el alcance de su discurso y profundiza tema.
El director del reciente Netflix, The Irishman, escribe en defensa de su declaración anterior y detalla que su punto de vista se refiere tanto al lenguaje cinematográfico como una forma de arte como a las consecuencias de la masificación de grandes éxitos de taquilla para la distribución de obras de autor e independientes. .
Él escribió:
“Muchas franquicias de películas están hechas por personas de considerable talento artístico. Puedes ver eso en la pantalla. El hecho de que las películas en sí no me interesen es una cuestión de gusto y temperamento personal. Sé que si fuera más joven, podría Estaba entusiasmado con estas películas y tal vez incluso quería hacer una, pero crecí cuando crecí y desarrollé la sensación de que las películas – qué eran y qué podían ser – estaba tan lejos del universo Marvel como la Tierra está de Alpha Centauri.
Para mí, para los cineastas que amo y respeto, para mis amigos que comenzaron a hacer películas al mismo tiempo que yo, el cine fue una revelación. – estético, emocional y espiritual. Se trataba de los personajes – la complejidad de las personas y su naturaleza contradictoria y paradójica, la forma en que pueden lastimarse y amarse mutuamente y de repente encontrarse cara a cara con ellos mismos.
Se trataba de confrontar lo inesperado en las pantallas y en la vida que dramatiza e interpreta, mejorando el sentido de lo que es posible en forma de arte.
Y esa es la clave para nosotros: era una forma de arte. Hubo un debate en ese momento, y defendemos el cine como un arte al mismo nivel que la literatura, la música o la danza. Y entendemos que el arte se puede encontrar en muchos lugares y formas diferentes – en Steel Helmet de Sam Fuller o When Two Women Sin de Ingmar Bergman, en Bailando en las nubes por Stanley Donen y Gene Kelly y en Scorpio Rising por Kenneth Anger, en Living the Life of Jean-Luc Godard y The Assassins of Don Siegel.
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Sesenta o 70 años después, todavía estamos viendo esas películas y disfrutándolas. ¿Pero es por sorpresa y emoción que volvemos? Creo que no. Los escenarios de Intriga Internacional son increíbles, pero no serían más que una sucesión de composiciones y cortes dinámicos y elegantes sin la emoción dolorosa en el centro de la historia y con el personaje de Cary Grant.
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Algunos dicen que las películas de Hitchcock eran muy similares, y tal vez eso sea cierto. – Hitchcock mismo cuestionó esto. Pero esa similitud en las películas de franquicias de hoy es otra cosa. Muchos de los elementos que definen el cine tal como lo conozco están en las películas de Marvel. Lo que no es es revelación genuina, misterio o peligro emocional. Nada está en riesgo. Las películas están hechas para satisfacer una ola específica de demandas, y están diseñadas como variaciones en un número finito de temas.
Son secuencias de nombre pero vuelven a disparar en espíritu, y todo en ellas está oficialmente sancionado porque no puede ser de otra manera. Esta es la naturaleza de las franquicias de películas modernas: con estudios de mercado, probados por el público, vetados, modificados, vetados nuevamente y modificados nuevamente, hasta que sean aptos para el consumo.
Otra forma de decirlo sería en la forma en que son todo lo que las películas de Paul Thomas Anderson, Claire Denis, Spike Lee, Ari Aster, Kathryn Bigelow o Wes Anderson no son. Cuando veo películas hechas por cualquiera de estos cineastas, sé que veré algo absolutamente nuevo y me tomaré por sorpresa. Mi sentido de lo que es posible en narrativas con imágenes en movimiento y sonido siempre se ampliará.
Entonces, te preguntas, ¿cuál es mi problema? ¿Por qué no dejar solo las películas de superhéroes y otras franquicias? El motivo es simple. En muchos lugares en este país y en todo el mundo, las franquicias son ahora la opción principal si desea mostrar algo en la pantalla grande. Es un momento arriesgado en la pantalla, y hay menos teatros independientes que nunca. La ecuación se invirtió y la transmisión se convirtió en el principal sistema de entrega. Aún así, no conozco a un solo cineasta que no quiera hacer películas para la gran pantalla, que se proyectarán frente al público en el cine.
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Y si me dices que esto es simplemente una cuestión de oferta y demanda, de dar a las personas lo que quieren, tendré que estar en desacuerdo. Es un problema de huevo y pollo. Si las personas reciben solo un tipo de cosas y se les vende para siempre un solo tipo de cosas, está claro que querrán más de un tipo de cosas.
Pero puedes discutir, ¿no pueden estas personas ir a casa y ver algo más en Netflix, iTunes o Hulu? Por supuesto, en cualquier lugar que no sea la pantalla grande, donde el cineasta pretendía ver su película.
En los últimos 20 años, como sabemos, el negocio del cine ha cambiado en todos los frentes. Pero el cambio más grave ocurrió de la noche a la mañana: la eliminación gradual pero frecuente del riesgo. Muchas películas de hoy son productos perfectamente fabricados para el consumo inmediato. Muchos de ellos están bien hechos por equipos o personas con talento. Aun así, carecen de algo esencial para el cine: la visión unificada de un artista. Porque, por supuesto, el artista individual es el factor más arriesgado de todos.
Ciertamente no estoy insinuando que las películas deberían ser una forma de arte subsidiada, o que alguna vez lo fueron. Cuando el sistema de estudio de Hollywood todavía estaba vivo y bien, la tensión entre los artistas y las personas que dirigían el negocio era constante e intensa, pero fue una tensión productiva que nos dio algunas de las mejores películas jamás hechas, en palabras de Bob. Dylan, el mejor de ellos fue “heroico y visionario”.
Hoy, la tensión ha desaparecido, y hay algunos en este negocio que son absolutamente indiferentes a la cuestión del arte y con una actitud hacia la historia del cine que es a la vez despectiva y propietaria, una combinación letal. La situación, desafortunadamente, es que ahora somos dos campos diferentes: hay entretenimiento audiovisual mundial y hay cine. Todavía se superponen de vez en cuando, pero esto es increíblemente raro. Y me temo que la dominación financiera de uno se está utilizando para marginar y disminuir la existencia del otro.
Para cualquiera que sueñe con hacer películas o que recién esté comenzando, la situación en este momento es brutal e inhabitable para el arte. Y el simple acto de escribir esas palabras me llena de una tristeza terrible “.
